Et si Mona Lisa avait été un Selfie ?

Et si les œuvres d’art telles que nous les connaissons aujourd’hui avaient été réalisées à notre époque ? Et si Leonard de Vinci, Michel-Ange, Picasso, van Gogh, Dalí, Delacroix, Manet, ou même les hommes de Lascaux, avaient été des hommes de notre temps, internautes plus ou moins aguerris, et consommateurs avertis de technologies ?

C’est en partant de ce postulat que Cleek vous propose, au travers de cette nouvelle petite série, de découvrir ou redécouvrir certaines œuvres majeures de l’histoire de l’art passées à la moulinette de notre culture pop et geek. Une interprétation résolument moderne (pour ne pas dire décalée) viendra donc servir le propos d’une analyse plus technique, pour appréhender d’un nouvel œil cette discipline souvent mal-aimée qu’est l’histoire de l’art.

Vous le constaterez, cette série ne prétend pas faire une rétrospective exhaustive de l’histoire de l’art, et c’est pour cela que nous plongerons directement au cœur de la Renaissance, et plus précisément au tout début du XVIe siècle, en compagnie d’une (plus si jeune) femme qui a fait tourner plus d’une tête : Mona Lisa.

[divider]Mon alizé[/divider]

La Mona Lisa de Léonard de Vinci, c’est un peu LE selfie par excellence du XVIe siècle.

La première question que l’on peut se poser est la suivante : Léonard était donc une femme ? Non, Léonard était bien un homme (qu’il aime ou non se déguiser en femme à ses heures perdues ou pour aller en boîte ne nous regarde pas) et il est admis que ce selfie est celui de la copine d’une connaissance de Léonard, Lisa Gherardini, dont on suppose qu’elle lui a subtilisé brièvement le téléphone pour se photographier avant de le glisser de nouveau dans son sac. Mais revenons à notre Selfie, et voyons ce qui en fait une œuvre de premier plan de l’histoire de l’art geek.

Publié entre 2003 et 2005 (on ne va pas chipoter pour quelques 500 ans près) sur le compte Twitter d’un jeune italien du nom de Leonardo di ser Piero da Vinci (mais plus connu sur les sites fr sous le nom de Léonard de Vinci), ce selfie n’est cependant pas le premier du genre. En effet, il faut garder en tête que le selfie existe déjà depuis quelques années, et qu’il s’impose de plus en plus sur le net. S’il fallut attendre 2002 pour que le mot « selfie » soit attesté sur le net (et 2016, donc soon™, dans les dictionnaires Larousse), le principe de se photographier soi-même par différents subterfuges et stratagèmes remonte au tout début du XXe siècle. Est-il utile de préciser que la représentation du visage humain, sous la forme du portrait, remonte aussi loin que remonte l’art ? Se représenter soi-même est peut-être un peu moins ancien, mais tout aussi prolifique. On pourrait notamment citer les célèbres selfies de Rembrandt, van Gogh, ou même celui plus subtil de Velázquez dans ce selfie-ception qui mériterait une explication à lui tout seul.

Le selfie de Leonard aurait donc pu passer inaperçu, noyé dans la masse twitterienne et facebookienne qui brasse chaque jour bon nombre de selfies. Selfie de profil, selfie de face, selfie de trois-quarts, selfie de seins ou de fesses, à l’huile ou au pastel, vous l’aurez compris, les selfies ne manquent pas. Et pourtant ce selfie allait devenir un des selfies les plus connus de son époque, voire de tous les temps, au point que des bus entiers de touristes chinois (entre autres) viennent à Paris spécialement pour le photographier à leur tour. En quoi ce selfie de Mona Lisa s’illustre-t-il donc ?

Commençons par ce qui fâche : la Mona Lisa déçoit par sa taille. Contrairement à ce que l’on pense couramment, ce selfie a des dimensions relativement réduites. Pour en conserver une qualité satisfaisante et qu’il ne pixelise pas trop, n’espérez pas le regarder sur un écran de plus de 37″, avec ses quelques 77cm de hauteur sur 53cm de largeur (et pensez à incliner la tête sur le côté). Pour autant, ce selfie a su s’imposer par ses autres caractéristiques techniques qui compensent, voire surpassent cette petite faiblesse. On constate en effet le choix d’un jeu sur la profondeur de champ, le paysage au fond du selfie paraissant flou, comme s’il disparaissait avec la distance : Léonard a obtenu cet effet en travaillant sur divers réglages, aujourd’hui regroupés et fixés dans un mode connu sous le nom de « perspective atmosphérique », mode dont l’italien était particulièrement friand, et que l’on retrouve donc de façon impressionnante sur son compte Instagram. En multipliant les couches très fines (photographiques ici, mais de peinture à l’huile si la Mona Lisa avait été un tableau), la couleur du décor finit par se fondre avec la couleur du ciel, et plus précisément de l’atmosphère, pour fusionner avec cette atmosphère, donnant ainsi cet effet de profondeur.

À cela s’ajoute un autre choix qui distingue particulièrement Léonard des autres internautes et utilisateurs d’Instagram : l’utilisation du filtre #sfumato. À une époque de suprématie du #nofilter, ce choix osé va notamment se traduire par ce qui sera considéré comme la marque de fabrique de Mona Lisa et de son selfie : son sourire. En effet, pas de duckface donc (ce terme n’est par ailleurs réellement attesté qu’à partir de 2009), mais un filtre (le sfumato, donc) qui atténue les contours et qui rend donc le sourire de la Mona Lisa des plus énigmatiques : pas de délimitation franche du sourire, mais juste ce petit début de sourire. Les lèvres semblent légèrement remontées grâce à cette imprécision (ne parlons pas de flou) volontaire qui repose une fois encore sur une superposition de couches très fines de couleurs transparentes (ou glacis), qui donne cet effet vaporeux.

Pas de duckface, pas de Resting Bitch Face, et pas de perche à selfie non plus : le brevet de cet outil qui allait révolutionner les réseaux sociaux venait tout juste d’être déposé, c’est donc la bonne vieille technique du téléphone devant le miroir et du retardataire qui a été choisi par la jeune femme.

Enfin, pour les fins spécialistes, inutile de crier au filtre Lord Kelvin. Sachez que le selfie de base ne contenait pas d’autres artifices que ceux cités un peu plus haut, et proposait des couleurs d’une gamme plus traditionnelle (à savoir moins jaunes, semblables à ce que l’on voit dans la vraie vie). Mais lors d’un changement de serveurs chez Instagram, toutes les images datant d’un certain nombre d’années se sont vues automatiquement attribué un filtre jaunissant, connu sous le nom de « Effets jaunissants du temps sur le vernis ». Des spécialistes ont bien évidemment tenté de le retirer, mais outre la question d’ordre éthique (« L’œuvre n’est-elle pas devenue une œuvre en l’état qu’elle est désormais ? Ne serait-ce pas la priver de ce qui fait désormais d’elle l’œuvre qu’elle est ? » – vous avez quatre heures, pour ceux que le bac philo n’a pas contentés), la difficulté technique est de taille : comment s’assurer de la couleur d’origine sans endommager le selfie ? Voilà cependant à quoi ressemblerait à priori le selfie de la Mona Lisa le jour de sa publication sur le net, avant l’ajout du filtre #Effetsjaunissantsdutempssurlevernis :

Mais Internet est un univers impitoyable, à l’image de Dallas, et poster un selfie de soi, c’est toujours s’exposer à un risque. Mona Lisa en a fait l’expérience, puisque des internautes plus ou moins mal intentionnés n’ont pas hésité à répondre à ce selfie. On peut notamment citer le tweet de Marcel Duchamp, un jeune français naturalisé américain, qui aurait pu faire réagir au quart de tour les associations féministes comme Ni putes Ni soumises si celles-ci avaient su comprendre le message plus ou moins subtil disséminé par l’internaute. Voici donc la parodie à laquelle Mona Lisa a été soumise pour avoir montré un peu de son front :

Cette réécriture du selfie de Mona Lisa n’est qu’un exemple parmi tant d’autres choses qu’ont su pondre les internautes, montrant à quel point ce selfie a marqué son temps, mais aussi le nôtre. À bientôt pour un nouveau déclic !

Petit lexique façon Cleek : « Rekt »

Vous faire découvrir de nouveaux horizons, c’est bien. Vous proposer un angle de vue nouveau sur un univers qui vous est déjà familier, c’est mieux. C’est pourquoi Cleek vous propose de faire un tour lexical de ce réseau complexe de par ses codes et son langage qu’est Internet. À chaque numéro de cette petite série, il s’agira de s’intéresser à un mot ou une expression aussi geek qu’obscure (ou pas) pour pouvoir faire le beau sur les chans ou autres salons de discussion en ligne.

C’est du côté du jeu vidéo que je vous emmène aujourd’hui, et plus précisément du côté obscur du gaming, puisque l’on va parler dépravation et violences virtuellement physiques et réellement verbales. Ce mot, vous l’avez très certainement rencontré si vous jouez aux jeux vidéo, ou si vous vous intéressez aux forums de jeux vidéo ou à leur chat : vous l’avez compris, nous allons nous intéresser au mot « Rekt ».

[divider]Rekt ? Faut pas t’y fier[/divider]

Je me dois une fois de plus de reconnaître la supériorité (partielle) de la ressource en ligne sur la ressource papier. Ce n’est en effet pas dans mon Petit Robert 2013 ni dans mon Longman Dictionnary of Contemporary English que je vais trouver la définition de « rekt » mais bien sur Internet.

Et c’est donc du côté de Urban Dictionary, les dictionnaires en ligne comme Oxford Dictionaries ou Collins Dictionnary m’ayant là aussi fait défaut, que je me tourne pour vous proposer la définition suivante.

Rekt –  Text for « Wrecked », as sooo drunk you’ve forgotten your name but can just about type a text to your mate whose missed called you

(« hi m8, totes rekt, tlk 2mo »)

Cette définition est considérée comme étant la définition principale (mais désormais un peu désuète, puisqu’elle date tout de même de 2011) de ce mot. Si l’idée d’un état dégradé est bien ici présente, cette définition ne semble cependant pas s’appliquer au contexte des jeux vidéo. Notons par ailleurs l’absence de reconnaissance officielle, qui contribue à un certain flou sémantique.

Mot trop récent ou trop slang pour être politiquement correct ? Le Professeur Teemo ne sera quant à lui pas censuré (au diable le politiquement et théologiquement correct) puisqu’il va une nouvelle fois nous éclairer de ses lumières.

[divider]Le mot de Teemo[/divider]

Si vous n’êtes (toujours) pas familier de cette discipline, venez (re)découvrir l’Eh-Teemo-logie avec notre très célèbre Professeur Teemo.

Il faut remonter à des temps ancestraux pour comprendre l’origine de « rekt », mes chers amis… En ce temps-là, j’avais vingt ans. Sur la télé en noir et blanc on découvrait le rock’n roll mais aussi et surtout cette émission qui allait s’illustrer pour des décennies et des décennies dans l’histoire culturelle de notre pays et de la planète Terre.

Cette émission, à l’image de ces dinosaures disparus depuis longtemps et dont on ne sait plus les dénominations, nous a laissé un héritage certain, entre son lot de fossiles et de débats théo-philo-paléo-historiques. Nous n’en parlons pas au quotidien, et son existence est parfois niée par certains (pour ne pas bousculer leurs croyances), et pourtant, elle a sa place à part entière dans l’évolution.

Ce dinosaure télévisuel dont je vous parle, c’est bien évidemment Vidéo Gag. Ancêtre lointain de ces vidéos de chute et de caméra cachée qui pullulent sur Youtube et autres sites de compilations, cette émission mettait à l’honneur cette invention technologique qui, à l’image de la roue, révolutionnait les us et coutumes de l’époque : la caméra.

Comme les jeunes vivent aujourd’hui par le biais de leur écran de téléphone, les jeunes de l’époque vivaient par le biais de leur écran de caméra, et de son célèbre (devrais-je dire logo ? Symbole ?) [REC.]. Ces quelques lettres, signifiant que l’appareil enregistrait bien la vidéo (puisqu’elles sont tirées du verbe anglais « record » qui signifie précisément « enregistrer ») sont rapidement devenues un verbe à part entière. Se faire « rec » signifiait se faire filmer.

La conjugaison et la loi d’économie de la langue (votée par le gouvernement à l’époque pour tenter de soulager la dette nationale) ont rapidement contribué à l’évolution de ce terme, puisque l’on ne tarda pas à le conjuguer. On disait dès lors d’une personne qu’elle s’était faite « recced », en accord avec la grammaire anglaise (prononcé « rekt », toujours selon les lois phonétiques anglaises). Cette prononciation s’est rapidement traduite graphiquement. Être filmé se disait dès lors « se faire rekt », ou « get rekt » pour les bilingues parmi nous.

C’est là que Vidéo Gag entre en jeu : en effet, il faut reconnaître que si les gens filmaient à peu près tout et n’importe quoi, c’est cependant les chutes ou les caméras cachées qui étaient diffusées. Le terme « rekt » s’est donc rapidement spécialisé, pour ne signifier que « se faire piéger » ou « se viander bien méchamment » (et accessoirement « se faire défoncer le derrière dans un jeu vidéo »).

Et c’est désormais ce sens que la langue a conservé.

C’est toujours aussi chaleureusement que nous remercions le Professeur Teemo pour son intervention. Nous indiquons par ailleurs que les positions évolutionnistes de Teemo concernant Vidéo Gag lui sont personnelles, et qu’elles ne nous engagent pas.

[divider]Motus et bouche cousue[/divider]

Et dans les faits (les vrais), ça donne quoi ?

Vous vous en doutez bien, ce mot tire bien évidemment son origine dans la langue anglaise. Et un bon point de départ reste son évolution graphique. En effet, nous le connaissons désormais sous la forme « rekt », mais il s’agit, comme dans de nombreux cas de mots d’argot (ou de « slang »), d’une version abrégée et souvent malmenée d’un mot originel.

Là où le Professeur Teemo ne se fourvoyait pas, c’est dans la translation effectuée entre prononciation et transcription. Le terme « rekt » (et notamment le « kt ») est bien la façon écrite de prononcer un mot, à la différence près que le verbe conjugué d’origine n’est pas la forme inventée « recced », mais « wrecked » (comme l’indique par ailleurs la définition donnée par Urban Dictionary).

C’est notamment du côté de l’anglo-normand qu’il faut se tourner pour comprendre l’origine de ce mot. Aussi rencontré dans l’anglo-saxon sous la forme « wrek », le terme anglo-normand « wrec » signifiait « épave ». Notons, pour le plaisir de nourrir notre culture générale, que cela va aussi donner le terme normand « warec », qui nous est resté dans notre langue française actuelle sous la forme « varech », qui est une sorte de mélange d’algues que l’on retrouve le long des plages une fois la marée retirée, mais qui, au Moyen-Âge, désignait de façon plus générale tout ce que la mer rejetait sur les plages. Dont les algues. Et dont les épaves (eh ouais).

Pour en revenir au mot anglo-normand « wrec » d’il y a 1000 ans grosso modo, celui-ci a perdu au fil des évolutions son sens spécialisé propre à la marine, pour se démultiplier. C’est ainsi que le mot (et le verbe) anglais moderne « wreck » garde cette idée d’épave et de naufrage, mais s’est aussi diversifié : appliqué aux autres moyens de locomotion, tels que la voiture ou l’avion, il garde cette idée d’endommagement de l’outil et d’accident. Il signifie par ailleurs de façon plus générale l’accident matériel, qui va laisser des traces. Mais il s’applique aussi désormais à l’homme, et impliquera alors une tension, une fatigue, ou un état d’ébriété avancé.

De façon générale, le concept propre à la famille de mots « wreck » reste l’endommagement, qui implique un état de fonctionnement anormal. Notons que c’est le terme appliqué à l’homme (et l’idée d’ivresse) que le slang a conservé dans le terme « rekt ». Pourtant, ces dernières années, c’est un nouveau mouvement de diversification qu’a subi ce terme, puisque le sens lié à l’ivresse s’est doublé d’un sens propre au gaming, qui rejoint finalement le sens originel du terme.

Désormais, se faire « rekt » revient à s’être fait « détruire » par un autre joueur ou internaute (pour rester dans ce registre familier), ce qui n’est pas sans rappeler l’idée de naufrage et d’épave, et plus généralement d’accident. On ne se sépare jamais de ses origines.

La Boîte à Musique : La Playlist rétro du Geek

Bonjour à tous et bienvenue dans le quatrième numéro de votre chronique musicale sur Cleek. Vous l’aurez compris, il sera question ici de musique, et plus particulièrement des musiques qui ont bercé et qui continuent de bercer l’univers geek, qu’il s’agisse de jeux vidéo, de films ou d’animés. Le format de cette chronique pourra varier d’un numéro à l’autre selon les musiques qui vous seront proposées. Présentations, analyses, extraits de partitions seront autant d’éléments que vous pourrez retrouver dans la boîte à musique de Cleek. Et puisque nous parlons ici de musique, je vous propose de découvrir à la fin de chaque numéro de cette chronique une petite cover « fait maison » d’un thème emblématique de l’univers geek.

Côté chroniques, vous avez pu ce mois-ci profiter d’une analyse du film « Minority Report » avant de découvrir une nouvelle facette des USA autour d’une chronique basée sur San Diego. Enfin, pour les gourmands, encore un peu de patience puisque la chronique autour du Speed Cooking arrivera bientôt ! Cette semaine, après avoir exploré les musiques de Final Fantasy, Game of Thrones, et League of Legends, je vous propose de découvrir (ou plus certainement de redécouvrir) les mélodies qui ont fait partie intégrante du succès de certains jeux, et ce, au travers d’un top 10 qui, sans passer par l’idée de noter ces musiques de la « moins populaire » à la « meilleure », saura sans doute vous faire plonger dans quelques nostalgies musicales. Le tout sera accompagné d’un extrait de partition du thème, ainsi que d’un petit lecteur audio pour faire vibrer le rétro geek qui est en vous ! C’est parti pour la playlist rétro-Geek : ouvrez donc la boîte à musique !

[divider]Fun²[/divider]

S’il est bien un thème entêtant et obsédant, c’est bel et bien celui de Tetris. En effet, il serait assez délicat d’affirmer que cette mélodie nous est totalement inconnue, et au-delà de l’aspect espiègle de la musique, bon nombre d’entre nous évoquons souvent cette mélodie avec nostalgie, quand ce n’est pas avec une certaine appréhension. Car oui, la musique de Tetris reste en tête, c’est bien connu, et c’est incontestablement un des thèmes musicaux geek à propos duquel on déclare malheureusement assez rapidement « Mince, ça y est, je l’ai en tête ». Et finalement, cette tendance n’est pas sans cause… Aussi étonnant que cela puisse paraître, si l’on peut souvent donner un nom de créateur à une musique, celle de Tetris déroge à la règle. En effet, la mélodie de notre jeu de puzzle est « anonyme », dans le sens où elle demeure le résultat d’adaptations et d’arrangements faits à partir d’une mélodie populaire russe. Si vous écoutez donc ce thème ci-dessous (et vous ne pourrez pas dire que je ne vous ai pas averti des dangers !), pensez donc à l’aspect folklorique russe de la musique. Tout cela n’est donc pas si étonnant, et c’est donc par ces accents folkloriques que la musique de Tetris a su faire le tour de la planète geek (et pas seulement !)

[divider]Il était un petit plombier[/divider]

Il était également évident d’inclure la musique de notre plombier préféré au tableau. Composée par Kôji Kondo (également auteur de certaines OST de Zelda), la musique arythmique de Super Mario Bros renforce chez le joueur cet aspect « fun » et aujourd’hui, incontestablement rétro. Aujourd’hui œuvre majeure du genre, la musique de Super Mario Bros aura su inspirer toute une génération de joueurs. On en profite donc pour écouter cette cover très réussie d’un violoniste, qui reproduit à s’y méprendre la musique et les bruitages du jeu.

[divider]Malu-qui ?[/divider]

Il s’agit ici d’un contexte un peu plus particulier, car la désormais célèbre chanson « Beauty of Dawn » est en fait initialement la création d’une artiste, composée en hommage à l’OST du jeu Elder Scrolls Online. La musique, ainsi que les paroles sont donc signés Malukah, et l’interprétation très personnelle et émouvante de la jeune femme a donc fait le tour du web, lui octroyant ainsi une notoriété aussi fulgurante que méritée. À écouter sans modération !

[divider]Qui s’y frotte s’y pique ![/divider]

Que deviendrait un article sur la musique rétro-geek sans notre hérisson préféré ? À l’instar de la musique du petit plombier, l’OST de Sonic, et plus particulièrement la piste « Green Hill Zone », accompagnant le premier niveau du jeu, est devenu un thème connu de tous, s’accompagnant des douloureux souvenirs d’essais parfois vains pour passer au travers des différentes zones du jeu. Cette mélodie joyeuse, jouant sur les contretemps et les syncopes, est signée Masato Nakamura, compositeur japonais qui ne composa d’ailleurs pour aucune autre licence, mais qui est désormais plus reconnu en tant que guitariste et leader du groupe de rock « Dreams Come True ».

[divider]La Princesse louve[/divider]

Écartons-nous un peu des jeux vidéo, pour nous concentrer sur ces autres œuvres qui font, elles aussi, la richesse du patrimoine geek. En effet, si les jeux vidéo restent le propre du gamer, l’influence qu’ont sur lui le cinéma, les manga, et les animes n’est plus à démontrer. Nous parlerons donc aujourd’hui d’une œuvre prestigieuse, dont le seul nom suffit à nouer la gorge de tous ceux qui ont déjà posé les yeux sur le long-métrage de Miyazaki : Princesse Mononoke, et dont nous devons la musique au géant des OST asiatiques : Joe Hisaishi. Résolument lyrique et nostalgique, la bande originale, ainsi que l’ambiance et les revendications exposées au cours du film ont contribué à en faire une poésie bouleversante, tout en images et en musique. Parmi elles, nous retrouvons le célèbre thème « Legend of Ashitaka » (si si, même si le début vous semble inconnu, attendez jusqu’à la trentième seconde), mais aussi le thème ci-dessous, dont l’interprétation lyrique – type opéra – a su faire vaciller le cœur des plus résistants ! Cette musique sera d’ailleurs l’objet de notre cover du mois, en fin d’article, patience !

[divider]Baston ![/divider]

On repose maintenant nos mouchoirs, et on change de tableau, pour retrouver un thème très rythmé, entraînant mais teinté d’une certaine nostalgie. Il s’agit de la mélodie du personnage Guile de la license « Street Fighter ». N’étant pas sans rappeler les accents d’une bande originale telle que Rocky, la musique de Guile a probablement habité vos longues heures de baston entre amis. Pour l’anecdote, et en dépit des apparences, ce thème pêchu du macho-man blond est signé par une compositrice, Yoko Shimomura, également auteure d’OST comme Legend of Mana, Heroes of Mana, Kingdom Hearts, Parasite Eve, et que l’on retrouvera prochainement sur la bande originale de Final Fantasy XV.

[divider]Don’t try, don’t cry[/divider]

Il serait vraiment difficile de choisir quelle est LA musique de référence en termes d’animes. En effet, le genre regorge de musiques aussi variées que marquantes, et tout comme dans la variété des sujets et propos tenus, tout le monde pourrait y trouver son compte quand on parle d’OST d’animes. Mon choix s’est toutefois porté sur une des musiques de la saga Naruto, « Wind », composée par le musicien Akeboshi. Si l’ambiance du début de la série peut sembler insouciante, ou encore naïve, cette chanson, à première vue plutôt enjouée, regorge toutefois d’un panel de nuances qui insufflent une mélancolie certaine, présage de l’évolution de l’histoire et de ses rebondissements tragiques. Si vous n’étiez pas encore convaincus, lisez plutôt ces paroles du refrain de « Wind » :

« Don’t try to live so wise.
Don’t cry ’cause you’re so right.
Don’t dry with fakes or fears,
‘Cause you will hate yourself in the end. »

[divider]La légende[/divider]

Nous retrouvons donc ici Kôji Kondo, et son travail colossal sur la bande originale de la licence Zelda. Si bon nombre de mélodies sont devenues aujourd’hui mythiques et emblématiques du jeu, c’est aujourd’hui vers le thème « Song of Storm » que nous nous penchons aujourd’hui. Arborant une métrique en trois temps, sous forme de valse assez rapide, Song of Storm distille quelques accents mélancoliques sur le support qu’elle accompagne. Notez par ailleurs que la bande originale de Zelda est une des premières à proposer le concept de musique évolutive, qui évolue (sans blague) en réponse aux actions du joueur, tout cela dans le but de renforcer l’immersion IG. Là encore, à écouter encore et encore !

[divider]Grandeur et décadence ![/divider]

Explorons ici un des thèmes-phare de la licence Castlevania, composée par Michiru Yamana, compositrice en chef de la saga. Si des mélodies telles que les grandiloquentes « Bloody Tears » nous restent en tête, c’est plutôt sur le thème « Dance of Pales » que nous nous pencherons ici, avec une interprétation spectaculaire au piano, signée NightShader1 que vous pouvez retrouver sur sa chaîne Youtube, ainsi que sur son Facebook.

[divider]Tidus, Yuna etc[/divider]

Nous terminons ce top 10 des musiques rétro-geek avec une des mélodies mythiques de la licence Final Fantasy. Il serait en effet difficile de passer à côté de ces opus magistraux qui ont nourri et influencé considérablement notre patrimoine Geek. Si nous avions parlé dans un précédent numéro de la Boîte à Musique des musiques et de leur rôle au sein du jeu, avec la cover de « Price of Freedom » en guise de conclusion, c’est aujourd’hui du thème principal de Final Fantasy X que nous parlons. « To Zanarkand ». Composé par Nobuo Uematsu, ce thème emblématique est joué et varié tout au long du jeu, même si c’est la version minimaliste et épurée au piano solo que nous gardons en tête. Si vous ne connaissez pas Final Fantasy X, cette musique pourrait bien vous mettre les larmes aux yeux. Si vous connaissez, les larmes sont sans doute déjà là !

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[divider]Cover[/divider]

Nous nous quittons finalement sur la traditionnelle cover de la Boîte à Musique, avec aujourd’hui, une reprise du thème principal de Princesse Mononoke, enregistré au violon et au piano, ponctué de quelques percussions graves à la limite du perceptible et de cordes légères réalisées sous FL Studio, avec comme VST Edirol Orchestral. Je ne saurais trop vous conseiller de mettre un casque pour profiter de l’ensemble, qui perd de ses nuances en passant sur enceintes. C’est sur ces quelques mots que je vous quitte, en vous disant à bientôt dans un prochain numéro de la Boîte à Musique !

Speed Cooking : une pizza pour les gouverner tous !

Je vous avais promis il y a quelques semaines avec la pain du marathon d’animé que je vous ferais la prochaine étape de cette chronique sur la pizza maison, et bien chose promise chose due ! Bon, effectivement, ce numéro est en retard, mais c’est la vie et ses imprévus, sans oublier que vous comprendrez bientôt pourquoi ! Trêves de bavardages, passons à ce qui vous intéresse, la recette de la pizza maison façon Obodrel, et pour vous faire saliver, voici le résultat qui sera là en bout de course :

[divider]Une pré-étape que vous connaissez déjà ![/divider]

Je suis un ingrédient pour faire une pizza, je suis l’élément le plus important que tout bon pizzaiolo se doit de ne pas oublier auquel cas la pizza se transforme en sorte de ratatouille, j’ai déjà été présenté sur Cleek, je suis, je suis … (Tous en cœur) « La pâte ! ». Oui c’est ça ! Vous avez bien deviné, la pâte est l’élément primordial à la confection de toute pizza, alors sans plus attendre, prenez la recette du précédent numéro, et cette fois ci je vous conseille vivement d’attendre une petite heure ! Pour ce faire laissez la pâte en boule dans le saladier qui a été utilisé pour la confectionner et recouvrer ce dernier d’un linge humide, cela va permettre que la pâte ne sèche pas trop, histoire qu’elle s’étale facilement ! Ceci fait, mettez la saladier dans un coin et lancer un épisode de Games of Thrones, Viking, Penny Dreadful ou encore Orange is the New Black !  À la fin de votre épisode vous pourrez passer à la suite, et si vous avez la flemme d’attendre, on se retrouve dans la prochaine section !

[divider]La garniture : le plus important ![/divider]

Alors comme d’habitude nous allons commencer par les ingrédients dont vous aurez besoin pour réaliser ce mets délicieux qu’est la pizza ! Sans plus attendre, attrapez de la sauce tomate, celle que vous utilisez pour les pâtes fera l’affaire, attrapez également des champignons, de l’oignon et tout autre condiment, et enfin prenez du jambon, n’importe lequel (personnellement j’ai une préférence pour la Bayonne, mais je suis né dedans ça ne compte pas !). Si vous êtes joueur ajoutez un œuf, je vous expliquerais par la suite pourquoi.

Bien entendu, tout ceci n’est qu’une garniture, donc si jamais vous souhaitez la changer, libre à vous, et même faites le, comme ça vous trouverez la pizza qui vous convient !

Pour commencer, récupérez la pâte que vous réserviez, et mettez la sur une surface à peu près plate, il vous faut maintenant l’étaler. Pour correctement l’étaler, prenez une assiette pour avoir une idée de la taille à obtenir, et surtout prenez une bouteille plutôt lisse. Si vous n’en avez pas, utilisez comme moi une gourde de camping, ou improvisez, une bouteille de déodorant bien lavée à l’extérieure fera l’affaire. Attention, il ne faut pas oublier de bien saupoudrez le plan de travail avec de la farine. Normalement vous devriez obtenir quelque chose de ce gout là !

Maintenant que ceci est fait, nous allons remplir cette belle pâte ! Première chose à y mettre, vous n’y couperez pas, la sauce. Ici j’ai choisi une bête sauce tomate, mais si vous préférez les pizzas blanches, n’hésitez pas à mettre de la crème fraiche. Lorsque vous aurez mis suffisamment de sauce, mettez une première couche de fromage râpé pour donner une consistance au fond de la pizza, ça glissera moins. N’hésitez surtout pas à ajoutez des épices, ici j’ai mis de l’origan car cela se mêle parfaitement avec la tomate.

Dès lors, l’étape la plus cruciale nous attend, couper correctement nos champignons. Première chose à faire, les rincer correctement sous l’eau. Deuxième chose à faire, placer ses doigts correctement, ce serait bête que vous vous coupiez. Regardez bien la photo, je met mon pouce derrière les quatre autres doigts et ces derniers de façon à ce que si la lame de mon couteau les touche, les ongles la dévie pour couper.

Nous avons alors les champignons, il ne manque plus qu’à faire une chiffonnade avec le jambon pour tout disposer sur le fromage. Par chiffonnade, si vous ne connaissez pas, j’entends prendre les tranches de jambons et tirer comme une gamin pour obtenir des morceaux plus ou moins réguliers. Dès lors vous rajoutez plein de fromage pour avoir une belle couche fondante, et rebelote avec les champignons et le jambon, mais cette fois pour décorer.

Retournez maintenant les bords de pâte pour faire la croute qui sera prise en main. Lorsque vous pensez ne plus rien rajouter, prenez l’œuf dont je vous avais parlé, séparez le blanc du jaune, fouettez le jaune avec une fourchette jusqu’à qu’il soit liquide, et avec, badigeonnez le contour de la pâte et versez en dans le contenu.

Une fois ceci fait il ne nous reste qu’à enfourner notre belle pizza, 20 minutes de cuisson minimum (ça dépend de comment vous aimez votre pizza, plutôt 30 si vous la voulait croustillante) à une température de 240°C. En attendant que cela soit cuit, mettez une autre épisode de la série que vous regardiez, et vous serez apte à déguster la pizza en plein milieu !

[divider]Au prochain rendez-vous ![/divider]

Speed cooking c’est terminé pour aujourd’hui, mais on se retrouve bientôt pour une nouvelle recette rapide qui vous sauvera dans beaucoup de plats, la sauce tomate maison ! Avec elle vous pourrez vous targer de faire une pizza 100% maison ! À bientôt pour cette prochaine recette !